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Meine Malerei setzt sich vor allem mit der menschlichen Gestalt auseinander.

Das Umfeld in dem sich meine Figuren bewegen, sehe ich als Spiegelbild ihrer seelischen Zustände. Eine räumliche Atmosphäre wird so zum Mittel, wodurch psychische Prozesse zum Ausdruck kommen. Ein Ort soll sich dem Rezipienten eröffnen, wo vieles möglich scheint, aber nicht alles gezeigt wird. Vieles liegt im Verborgenen und ist doch präsent.

Meine hell-dunkel Malweise versucht ein Licht einzufangen, das einen starken Schlagschatten wirft. Der dadurch entstehende Kontrast bildet das Spannungsfeld. Die dazwischenliegenden Farbnuancen ergeben einen Übergang, die einem Farbsystem unterworfen sind, welches ich mir durch eine intensive Auseinandersetzung, auf theoretischer sowie beobachtender Ebene, erworben habe. Wie ein Regisseur versuche ich den Augenweg des Betrachters zu steuern und lenke ihn mit meiner Komposition auf den wesentlichen Bereich.
Oft ist es der Ausdruck eines Menschen, der zum Zentrum wird. Dieser hat nicht selten den Blick direkt zum Betrachter gerichtet. Ein gegenseitiger Austausch scheint sich dadurch zu entwickeln.

Verschiedene Begebenheiten tragen zur melancholischen Stimmung, die sich in zahlreichen Bildern wieder findet, bei: Meine Hände halten die Frucht einer überdimensionalen Amaryllis, ein toter Vogel liegt im letzten Zug, eine heimliche Menschenversammlung wird gestört, oder aber die Tätigkeit des Malens an sich gestaltet das Bildthema. Es kann auch vorkommen, dass die Natur eine bedeutende Rolle spielt. Nicht zuletzt ist sie für mich das Sinnbild der verlorenen Geborgenheit.

Ich verstehe meine Malerei als die Möglichkeit, eine Welt zu erzeugen, die nicht Abbild einer scheinbaren Wirklichkeit ist, sondern eine neue Realität erzeugt. Dass ich mit diesem Anspruch etwas Unsagbares artikulieren möchte, wo der Zufall Erkenntnis bedeutet, das schöpferische Denken zu einer Katharsis führen kann, ist mir ein Anliegen.

Lukas Johannes Aigner 2018

Artist Statement

My painting is primarily concerned with the human figure.

I see the environments in which my figures exist as reflections of their emotional and psychological states. Spatial atmosphere thus becomes a means of expressing inner processes. I seek to create a place that opens itself to the viewer—a place where much seems possible, yet not everything is revealed. Much remains hidden, yet is unmistakably present.

My chiaroscuro technique attempts to capture a light that casts strong shadows. The resulting contrast creates a field of tension. The subtle tonal transitions in between are governed by a system of colour that I have developed through intensive theoretical study as well as careful observation. Like a film director, I attempt to guide the viewer’s eye, using composition to lead it towards the essential elements of the painting.

Often, it is the expression of a person that becomes the focal point. More often than not, the figure looks directly at the viewer, creating the impression of a mutual exchange.

Various situations contribute to the melancholic atmosphere that recurs throughout many of my paintings: my hands holding the bloom of an oversized amaryllis, a dying bird in its final moments, a secret gathering of people being interrupted, or the very act of painting becoming the subject itself. At times, nature also assumes a significant role. For me, it is, above all, a symbol of lost security and belonging.

I understand my painting as the possibility of creating a world that is not a representation of an apparent reality, but the creation of a new reality. It is my intention to articulate something that cannot be expressed in words—a place where chance becomes insight, and where the creative process can lead to a catharsis.

Lukas Johannes Aigner, 2018